The Antlers

Hospice

Año: 2009

País: U.S.A.

Género: Rock, Indie Rock, Slowcore, Fuzz-Folk

Suena a: The Rural Alberta, Volcano Choir, Girls

DISCAZO!!! punto...

Headlights

Wildlife

Año: 2009

País: Estados Unidos de Norteámerica

Género: Indie Pop, Indie Rock

Suena a: Stars, The Submarines, Harlem Shakes

Buen disco para amenizar esta calurosa tarde de domingo, les gustará, ENJOY!!!

Dmitri Shostakóvich

Cello Concerto No. 2 - Sonata for Cello and Piano PART1 - PART2

Interpreta: Sol Gabetta

Sol Gabetta es una cellista argentina de descendencia franco-rusa. Estudió en Córdoba y en Buenos Aires con Leo Viola y en Madrid en la Escuela Superior de Musica Reina Sofia. A los 12 años dejó Argentina para vivir en España y luego en Francia, en la zona de Alsacia. Esta mujer además es políglota dado que habla ruso, alemán, francés, inglés y español por supuesto, creció en una serie de lugares que le han abierto la cabeza y le han dado aquello que se conoce como mundo. Ganadora de varias competencias para su instrumento ha conquistado el premio Natalia Gutman Award en la International Tchaikovsky Competition, y la competencia Mstislav Rostropovich. Estudia en Berlin en la Musikhochschule Hanns Eisler con David Geringas y toca un cello de 1759 G.B. Guadagnini. Ha actuado en Estados Unidos, Inglaterra, Austria, Alemania y otros paises con las orquestas de Basilea, la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta de cámara de Stuttgart, la Orquesta de la Radio de Baviera, la orquesta de Birmingham, la orquesta de Detroit, la Filarmónica de San Petersburgo y la Camerata Báltica de Gidon Kremer. Su salto a la fama internacional se produjo en el Festival de Lucerna tocando como solista con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Valery Gergiev en 2004. Ha sido galardonada con el Premio Carlos Gardel, el Premio ECHO Klassik alemán y el Diapason d'Or francés. Desde el año 2005 organiza su propio Festival de Música de Cámara Solsberg , en Olsberg cercano a Basilea donde reside.

Dejenme decirles además de que tiene unos ojos hermoso y una sonrisa que hipnotiza, disfrutarán este concierto muuucho, ENJOY!!!

The Seven Mile Journey

The Metamorphosis Project

Año: 2008

País: Dinamarca

Género: Post Rock, Instrumetal, Experimental

Suena a: Godspeed You! Black Emperor, Set Fire To Flames y un poquitín de Mono y de Up-C Down-C Left-C Right-C ABC + Start

Pues si, quizá en más de uno este la cara de :O, pero en realidad su sonido es muy parecido en las bandas mencionadas anteriormente. Recién descubrí este asombroso album y quede con cara de WTF?, no en mal pedo, si no de una sorpresa y alegría a la vez de encontrar un grupo que de cierto modo tenga la escencia del Post Rock de antaño, siento que vuelvo a inicios de este milenio cuando escucho este disco, la banda se remonta hasta 1999 que es cuando comienza este proyecto, hay poca información que proporcione más información en relación al grupo, lo que le da un velo de misterio, pero bueno ustedes amables visitantes serán quienes tengan el veredicto final, por lo pronto les diré que lo recomiendo ampliamente y por mí, les diré que es un album de 5 estrellas, escuchenlo y espero que después me hagan saber que tal les pareció, ENJOY!!!

César Cuí

25 Preludios Op. 64

Tsézar Antónovich Kiuí (Це́зарь Анто́нович Кюи́), más conocido como César Cuí fue un compositor y militar ruso. Cuí era hijo de una mujer noble lituana y un ofical francés que se quedó en Rusia tras la retirada del ejército de Napoleón. Ninguno tenía interés por la música y Cuí aprendió por sí solo notación musical y piano. En 1849 recibió algunas lecciones de armonía y contrapunto del compositor polaco Stanisław Moniuszko, quien vivía por entonces en Vilnius. Al año siguiente fue enviado a San Petersburgo e ingresó en la Escuela de Ingeniería. Más tarde asistió a la Academia de Ingeniería Militar y se graduó en 1857, llegando a ser topógrafo y un reconocido experto en fortificaciones militares. Cuí trabajó toda su vida como ingeniero llegando a ser Teniente General de Ingenieros. En 1878 fue nombrado profesor en la Escuela de Ingeniería y por un tiempo fue el tutor privado del Zar Nicolás II en fortificaciones. En 1864 comenzó a escribir críticas musicales para los periódicos y se hizo conocido en los círculos musicales por su oposición a la música occidental, sobre todo la de Max Reger y la de Richard Strauss. Esto condujo a su asociación con el pequeño grupo de compositores rusos que intentaba crear un estilo musical verdaderamente ruso basado en las ideas nacionalistas de Mikhail Glinka. Cuí conoció a Mily Balakirev en 1856 y poco después se hizo amigo de Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. Desde entonces mantuvo una cercana relación con el grupo, conocido como el Grupo de los cinco, cumpliendo sobre todo el rol de propagandista y teórico en los esfuerzos por establecer un idioma musical nacional. Cuí fue la primera persona en publicar un ilustrativo libro sobre música rusa y siguió escribiendo como crítico hasta 1900. En sus composiciones Cuí fue influido por Balákirev. Mostró mejor talento como miniaturista que como compositor de grandes partituras. Aunque escribió varias óperas, entre ellas El prisionero del Cáucaso (1857), El hijo del mandarín (1859) o La hija del capitán (1911), ninguna fue tan exitosa como otras partituras suyas. la mayor parte de su producción consiste en canciones y pequeñas piezas para piano, pero también compuso música orquestal.

Antonio Vivaldi

6 Cello Concertos

Interpreta: Christophe Coin

Antonio Lucio Vivaldi fue un compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto el más importante de su época. Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía. Sin embargo, Las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto sin embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines,viola, violonchelo y continuo). Así, Los cuatro caraculos representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Simplemente no encuentro palabras para describir estos conciertos para Cello, uno de los instrumentos que más me gustan, simplemente sublime lo que se puede lograr con este instrumento, este disco los dejara sin aliento, solo necesitan sentarse en su sofá favorito y dejense atrapar, ENJOY!!!

Brad Paisley

Play

Año: 2008

Género: Country

Suena a: Tim McGraw, Alan Jackson, Jake Owen

Pues ahora les traigo más material de este cantautor y guitarrista americano, caray! insisto nuevamente, este señor hace muy buena música además de que se rifa cabrón en la guitarra, este album entra en la categoria de ¡¡¡DISCAZO SEÑORES, LES DIGO QUE DISCAZO!!!, creo que debe de ser considerado como básico para quienes gusten del género, y para aquellos que no tanto, pues dense la oportunidad de escuchar algo bonito e innovador, casi todos los track fácilemente podrían ser sencillos exitosos, les recomendare ampliamante la de Let The Good Times Roll, en esa rola el buen Brad se hace acompañar nada menos que de B.B. King a cargo de la guitarra, así que ya pueden imaginarse que clase de canción… pero bueno, los dejo con este material que creánme no los defraudara nadita, en todas las canciones la guitarra es el instrumento que se encarga de dirigir el rumbo de las mismas, si quieren escuchar una bonita interpretación de guitarra y una excelente letra escuchen Come On In, sé que les agradará, de eso no hay duda, ENJOY!!!

Dmitri Shostakóvich

Concierto Cello Nº 1

Interpreta: Mtislav Rostropovich y director de Orquesta Evgeni Svetlanov (Orquesta Sinfónica de la desaparecida URRS)

Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович) fue un compositor ruso que vivió durante el período soviético. Tuvo relaciones difíciles con el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS), que denunció públicamente su música en 1936 y en 1948. Sin embargo, en público se mostró leal con el régimen soviético, aceptó el carné del PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al régimen comunista y el Estado soviético ha sido tema de agrias polémicas políticas y musicales y se ha discutido enconadamente si Shostakóvich fue o no un disidente clandestino frente al régimen. Tras un periodo inicial de vanguardismo musical el estilo de Shostakóvich derivó hacia un romanticismo musical tardío en el que la influencia de Mahler se combina con la de la tradición musical rusa, con Músorgski y Stravinski como referentes importantes. Shostakóvich integró todas esas influencias creando un estilo muy personal que evolucionó incluso en algunas obras hacia la atonalidad. La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos, con un componente rítmico muy destacado. En su obra destacan sus ciclos de quince sinfonías y quince cuartetos para cuerdas; además, compuso mucha música de cámara, varias óperas, seis conciertos y música de cine.

Antonín Leopold Dvořák

Concierto para Cello en B minor, Op. 104

Interpreta Janos Starker en Cello y como Director de orquesta Antal Dorati

El Concierto para violonchelo y orquesta en Si menor Op.104 (1895) es el más conocido concierto para violonchelo compuesto por Antonín Dvořák. Consta de tres movimientos: Allegro - Adagio ma non troppo - Allegro moderato. Pertenece al repertorio general de piezas para violonchelo y es uno de los más interpretados.

El concierto comienza con una introducción orquestal con dos temas, uno de ellos marcado por los clarinetes, y el otro por las trompas, y con este último se inicia la presentación del solo de violonchelo. El segundo movimiento empieza con con un pasaje interpretado por el viento, que se continúa con un fragmento interpretado por la cuerda, al que sigue el instrumento solista, con el que inicia un diálogo. El último movimiento comienza con una introducción similar a una marcha e inmediatamente después vuelve a entrar el violonchelo. Dvořák inició su composición el 8 de noviembre de 1884 y le dio fin el 9 de febrero de 1895, lo que quiere decir que le dedicó los últimos meses de su estancia en Estados Unidos. Hay que recordar que, al aceptar la invitación de Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York, para que se hiciera cargo de la dirección de esta institución, se trasladó a América en 1892 y permaneció allí hasta el 30 de abril de 1895. No era el primer concierto que se proponía escribir para violonchelo; ya había escrito un concierto anterior, en La mayor, para este mismo instrumento solista en 1865, que no llegó a orquestar y del cual hay varias reconstrucciones.

Aunque concebido y escrito en Estados Unidos, este concierto no contiene elementos folclóricos americanos, como otras de sus obras allí compuestas, sino que rezuma esencias bohemias como si quisiera expresar su deseo de retorno a la patria. Por cierto, a su regreso se encontró con que su cuñada Josefina Čermáková se hallaba gravemente enferma y moría escasamente un mes después, el 27 de mayo de 1895. Dvořák, que había estado enamorado de ella en su juventud, antes de que se casara con su hermana Anna, y que la seguía queriendo entrañablemente, decidió tributarle un homenaje musical insertando en el centro del segundo movimiento, y evocándolo rápidamente al final, un tema de melancólica melodía extraído de su Lied Op.82 "Lasst mich allein in meinen Traümen gehn" que era la canción preferida de Josefina.

Se estrenó este concierto en el Queens Hall de Londres el 19 de marzo de 1896 bajo la batuta del propio compositor y con Leo Stern de solista.

Mary J. Blige

Stronger With Each Tear

Año: 2009

Género: R&B, Soul, Hip Hop

Suena a: Aaliyah, un poquitín a Alicia Keys

La voz de esta señora siempre me a gustado, es por eso que posteo cosas de ella, aunque en este album se aleja de sus trabajos anteriores, o bueno...no sé, esa impresión me da, aunque debo decirles que con escuchar su voz es sufuciente motivo para tener su album, sere breve...espero les agrade.

WE WANT YOU!

Que tal amables visitantes, el motivo de este post es para comunicarles que ando en busca de una persona a quien le agrade la música, y que este dispuesto a compartirla, quizá no sepan pero también colaboro en otro blog de música, la gloriosa MUSITEKA, quien este interesado solo debe de mandarme un mail exponiendo los motivos por los cuales les agradaría formar parte de tan maravillosa comunidad, creo que es sencillo, quien exponga los mejores motivos podrá ser colaboreitor, mandame un mail a alexone_19@hotmail.com, gracias.

Gifts From Enola

Loyal Eyes Betrayed the Mind

Año: 2006

Género: Post Rock

Suena a: If The Trees Could Talk, Caspian, This is Your Captain Speaking, Joy Wants Eternity

Discazo señores, les digo que discazo, es una grata sorpresa encontrarse con grupos con el estandarte de este bello género que no defrauden m y esta es la ocasión, hay poca información de este grupo, lo básico es que son un grupo de Virginia, allá en la tierra de las hamburguesas y de los hot dogs, este es un album lleno de matices que deben de ser escuchados con atención, en las guitarras caen las emociones que quieren transmitir, se los recomiendo, no los defraudarán nadita, ENJOY!!!

Edward Elgar

Edward Elgar: Concierto para Cello Op. 35: Conciertos del Dolor

Interpreta: La legendaria Jacqueline Du Pré (descance en Paz)

Edward Elgar es reconocido quizás como uno de los más importantes compositores ingleses, sus obras son frecuente referencia de las salas de concierto mundiales y también nos lo recuerda en casi toda ceremonia inglesa importante, sus marchas e himnos de combate son la estampa de la Nación de la Rosa. Durante su vida, a partir de la irrupción de sus celebres Variaciones Enigma en 1899, fue un ícono de la música inglesa, habiendo recibido casi todos los honores existentes, incluyendo para siempre la denominación de Real Caballero del Reino Inglés con la Máxima Orden de la Cruz (su nombre oficial fue 'Sir Edward Elgar Bt OM GCVO'), ello sumado a Doctorados de prestigiosas Universidades y afiliación vitalicia a las principales Academias de Música Europeas. Es notable comentar que en ese mismo año (1899), Elgar se caso con el amor de su vida, Caroline Alice Roberts, ocho años mayor que el, aún en contra de toda su familia. En este contexto de honores y reconocimientos, veinte años después, a principios de 1918 Edward Elgar se encontró en una etapa difícil de su vida, a sus 61 años enfrentaba una complicada operación quirúrgica, adicionalmente su esposa también tenia problemas recurrentes de salud. En contraste, su fama como compositor y conductor de orquesta había empezado a declinar en Inglaterra y Europa. Cuentan sus biógrafos, que inmediatamente al despertar de su operación, prestamente pidió que le alcanzaran lápiz y papel pautado y escribió la melodía musical que sería el tema principal del que posteriormente sería su Concierto para Cello y Orquesta. La reflexión interna sobre la vida y la muerte consumió la mayor parte de sus fuerzas creativas en la ultima etapa de su vida, siendo que su producción a partir de 1919 disminuyó drásticamente y en general sus obras adquirieron un tono reflexivo y sombrío, esto en notable contraste con el Elgar de sus primeros años, caracterizado por ser un compositor de alegría y de espíritu positivo, que siempre buscaba en la naturaleza la inspiración a sus obras (“Los árboles cantan mi música, o será que yo canto la música de los árboles”, anoto en la primera pagina de su Segunda Sinfonía). Luego de su operación, y con el objetivo de recuperarse y de rodear a su esposa Alice de un ambiente más sano, se refugió en su casa de campo en la costa sur de Inglaterra. En las noches, Elgar frecuentemente recordaba los horrores de la Primera Guerra, de la cual que fue testigo desde su casa de campo, la cual podía divisar al otro lado del Canal de la Mancha en las costas de Francia. En ese ambiente, con su propia sensibilidad hacia la muerte, empezó a ver desvanecerse la salud de su amada esposa Alice.

Todos estos sentimientos poco a poco empezó a vaciarlos en lo que fue quizás su ultima obra maestra, su Concierto para Cello y Orquesta, la cual en palabras de su biógrafo Ian Parrott lo definió perfectamente como “una obra aparte, por un hombre solitario viviendo en un momento de crisis personal en el cual sus criterios artisticos habían sido alterados irreversiblemente”. La premiere de la obra fue encomendada al cellista Felix Salmond con la Sinfónica de Londres dirigida por el compositor el 27 de octubre de 1919. No fue la más feliz de las interpretaciones, dado que por diferencias de método y opinión entre Elgar y el conductor principal de la orquesta Albert Coates, no lograron convenir los ensayos necesarios para realizar el concierto. El resultado fue una orquesta pobremente ensayada que no brindó la mejor de las interpretaciones, con el consiguiente impacto en las críticas y tibia recepción de la obra. Sin embargo, luego de esta no tan afortunada interpretación, la obra recibió altas apreciaciones de varios solistas, quienes la incluyeron en su repertorio, como fue el caso de los celebres Pablo Casals, Paul Tortelier, Pierre Fournier y Antonio Pini lograron grandes interpretaciones y grabaciones, a las cuales se sumo la grabación que hizo el propio Elgar en 1928 con la cellista galesa Beatrice Harrison.

La estructura de la obra no es convencional, esta dividida en cuatro movimientos. El primero de ellos, empieza con un lamento profundo del cello el cual es recogido por la orquesta usando el célebre tema que le vino a inspiración inmediatamente después su delicada operación de 1918 mencionada anteriormente. Ese tema luego trasciende a una melodía lamentosa y resignada que conduce a una parte central suave y lírica que desemboca en un clímax en el cual el tema principal es reexpuesto con mucha intensidad. Luego de este momento, el segundo movimiento comienza sin pausa como una melodía juguetona y alegre en forma de scherzo, aunque sin la típica estructura tripartita. El tercer movimiento es un contraste lírico en el cual se da un flujo constante sobre la base de una melodía dulce y nostálgica en Si bemol mayor, la cual conduce sin pausa hacia una contrastante apertura del cuarto movimiento en Si bemol menor. Este contraste es intencionado y conduce hacia un tema reposado, pero que expresa inquietud y desesperanza a través de rápidos cambios en tonalidad. La sección central del movimiento alterna dos secciones lentas y suaves con una reexposición del tema inicial del cuatro movimiento el cual conduce hacia un desvanecimiento pausado y sublime que anticipa la reexposición del tema inicial del primer movimiento, el cual conduce al clímax final de la obra.

La obra demanda del intérprete mucho lirismo, sensibilidad, pero sobre todo, de una fuerza intelectual que permita asumir el dramatismo de la pieza. A lo largo de la historia, la obra tuvo geniales interpretaciones, pero quizás ninguna de la calidad y fuerza que la que grabo en 1965 la cellista inglesa Jackeline Du Pre. Esta grabación ha sido acogida como la interpretación definitiva, por encima de las lecturas de Casals, Rostropovich (quien al escuchar esta grabación, decidió retirarla de su repertorio) y Yo-Yo Ma. Una grabación de Yehudi Mehuhin como director y el cellista Julian Lloyd Webber recibió en 1987 el Brit Award como la mejor grabación de dicho año.

Jackeline Du Pré fue en si misma una figura trágica, un talento notable que fue truncado en la plenitud de sus poderes creativos antes de cumplir 26 años a partir de 1971, año en el que empezó a sentir los devastadores efectos de una esclerosis múltiple (una enfermedad degenerativa del sistema nervioso que le provocaba ausencia de sensibilidad en sus manos).

La célebre grabación de Du Pré del Concierto de Elgar de 1965 tuvo como precedentes, una exitosa gira de conciertos con Sir John Barbirolli y la adquisición, en diciembre de 1964, del instrumento que marco su vida: su Stradivarius Davidoff (nombrado así en honor del célebre cellista ruso del Siglo XIX). La grabación realizada en agosto de 1965 (Du Pré tenia solo veinte años) causó tanto impacto, que todos los músicos de la orquesta estaban en estado de shock, mesmerizados por la magia de Du Pré. El primer violinista de la Sinfónica de Londres, Hugh Maguire, escribió en sus memorias “he visto centenares de solistas, pero ninguno causó el impacto que Jackeline Du Pré tuvo en toda la orquesta ese día, cuando yo la vi tocar la obra y separado de ella a menos de un metro de distancia, estaba TOTALMENTE (la cita en mayúsculas es textual) noqueado. La sensación fue tan hermosa, tan inspirada, tan mágica, que sencillamente no pude decirle nada a ella. No existían palabras para describir ese momento”. En las grabaciones, se dio un pequeño receso para almorzar, y al regreso para las sesiones de la tarde, se había formado una multitud de espectadores en Abbey Road (los estudios EMI) y hubo que interrumpir las sesiones para calmar la enorme expectación del improvisado auditorio. Ese disco, es, aun en estos días, el disco de música clásica mas vendido del sello EMI en toda su historia.

Reseña de: Ernesto Nosthas (El Cuervo López)

Después de esta maravillosa descripción lo único que agregaré es que este conciento me dejo sin aliento, les encantará, ENJOY!!!

Brad Paisley

Time Well Wasted

Año: 2005

Género: Country

Suena a: Tim McGraw, Alan Jackson, Dierks Bentley

Pues ahora les traigo más material de este cantautor-guitarrista gabacho, creanme que le estoy agarrando gusto a su material, este señor si que es cotorreador, en su música y en las letras se nota eso, no cabe duda además de que se rifa en la guitarra, este album esta bien bonito, es lo que me gusta del country, sus arreglos musicales pueden alegrarte el día, aunque como lo he dicho antes también puede ser contrastante al presentar canciones por demás pegadoras, creo que ese no es el caso en este album, tiene una que otra, pero lo que domina es el ambiente fiestero y cotorreador, por ahí tiene un track muuuuy bueno, es She´s everything que aunque la letra es sencilla es muuuy chida, escuchen además I'll Take You Back y Time Warp por ahí tienen unas guitarras bien locochonas y rifadoras, les gustará, de eso no hay duda :), ENJOY!!!

Tim McGraw

And The Dancehall Doctors

Año: 2002

Género: Country

Suena a: Simplemente Tim McGraw

No no no, que buena canciones tiene este señor, creo que de eso no tengo la menor duda, no por algo es de los grandes del género, She´s my kind of rain simplemente es la onda y dice cosas bien bonitas, Watch The Wind Blow By describe cosas que son parte de una larga historia que no vienen al caso en este post, pero bueno, insisto, los discos de este señor nuuuunca defraudan, les gustará.

Brad Paisley

5th Gear

Año: 2007

Género: Country

Suena a: Tim McGraw, Toby Keith, Dierks Bentley, Keith Urban

Que buena música hace este señor, no cabe duda que es bien cotorreador, eso se ve en algunas de sus cancione,en lo personal creo que este album puede considerarse bueno a secas, no hay nada del otro mundo en el y no aporta casi nada al género, pero por lo menos es bueno para pasar el rato bebiendo algunas cervezas, creo que este señor hizo este album por el simple hecho de echar desmadre, escuchen Mr. Policeman, ta chidilla, creo que es todo, ENJOY!!!

Tim McGraw

Let It Go

Año: 2007

Género: Country

Suena a: Kenny Chesney, Dierks Bentley, Brad Paisley

Este el noveno album de estudio de este ícono del Country americano, en lo personal puedo decirles que es un discazo y que que no defrauda para nada, de hecho no he tenido esa sensación con ningún trabajo de este señor. Este album merece la pena escucharlo por el simple hecho de tener la canción de Whiskey & You, simplemente un rolonón...ENJOY!!!

Joy Wants Eternity

Must You Smash Your Ears Before You Learn To Listen With Your Eyes

Año: 2005

Género: Post Rock

Suena similar a: Pg.Lost, Gifts from Enola, This is Your Captain Speaking

Este Ep simplemente es un discazo, sin pretenciones solo dire eso, y ya...ENJOY!!!

Caspian

Tertia

Año: 2009

Género: Instrumental, Caspian

Suena a: This Will Destroy You, Pg.Lost, If The Threes Could Talk, Gifts From Enola

Caspian es una banda proveniente de Beverly, Massachusetts, allá en el gabacho, dejenme decirles que al escucharlos gran parte del tiempo se sumergiran en melodías potentes y emotivas, pasando por tonos simples y muy bajos, pero siempre intentando tocar con el corazón, como ellos mismos lo han comentado. Hasta el momento han grabado tres discos The Four Trees, You Are The Conductor (ambos con distintas ediciones posteriores) y Tertia que es el que les dejo, espero que me digan que tal les parece por que en lo personal a mi me gusto muuucho, ojalá y les pase lo mismo, ENJOY!!!.

Pg.Lost

Yes I Am

Año: 2007

Género: Post Rock

Suena a: Mogwai, Laura, Isis, Explosions in the Sky, Mono, Jakob, Red Sparowes

Pues bien aquí vuelvo con un poco más de Post-Rock, ahora les dejo este EP debut de esta magnifica banda Sueca, creo que solo puedo decirles que es simplemente excepcional, no los defraudará nadita, solo eso y punto...ENJOY!!!

Three Steps To The Ocean

Until Today Becomes Yesterday

Año: 2009

Género: Instrumental, Post Rock, Post Metal

Suena a: Isis, creo que no puedo encontrarles parecido a alguien más aunque last.fm dice que suena a Lento, Latitudes, si alguien sabe información de este grupo y me pasa un poco le estaré por demás agradecido.

Estimados visitantes, dejenme decirles que me siento un poco frustrado por no tener información concisa de este grupo, por lo que investigue es un grupo Italiano, cuya formación se remonta al 2006, en el viejo continente tienen una buena reputación y aceptación, este es su primer LP, dado que previamente habian lanzado un EP(que aún no escucho), en lo personal puedo decirles que este album me resulta interesante, aunque también puedo decirles que no es nada extraordinario ni nada que descubra el hilo negro de las cosas, pero hay algo hay algo que me hace compartirlo, hay algo que hace que valga la pena escucharlo, aún estoy en proceso de digerirlo, pero como lo dije antes, hay algo en los ritmos y riffs que manejan que me atrapan por momentos, lo que hace que lo catalogue a este album como "bueno", pero en fin, son ustedes son lo que tendrán la última palabra, ENJOY!!!

Brad Paisley

American Saturday Night

Año: 2009

Género: Country

Suena a: Tim McGraw, Toby Keith, Dierks Bentley, Keith Urban

No sé si se los haya comentado antes pero me gusta mucho la música country, es por eso que me tomo el atrevimiento de postear un poco de esta música, creo que el country tiene matices muy interesantes, por que puede encontrarse en umbrales distintos, desde canciones bien divertidas y locochonas, canciones pegadoras y otras por demás melancólicas, a veces suelo acompañar unas cheves uno que otro fin de semana con esta música, por que hacen que me acuerde cuando la escuche por primera vez (ya hace algunos años), y eso fue gracias a unos primos oriundos de Austin, así bien vaquerones y todo la onda, y pos desde ahí como que se dio el click,como dato adicional al primero que escuche fue a Alan Jackson,pero bueno, para agregarle un poco más de cliché al asunto, recien en ese tiempo mi tío habia comprado una Ford F-150 '78 en muy buen estado allá en el gabacho,que según era para enchularla y dejarla en mi rancho bicicletero para cuando fuera de vacaciones por allá, pero bueno esa es otra historia[...], el hecho es que con estos primos escuche el country por primera vez y me gusto un buen, de hecho la camioneta antes mencionada se quedo hasta hace un par de años allá en mi pueblo, y sieeeempre me acordaba de las cheves que bebi con mis primos y la música que escuchabamos(lástima que la terminaron vendiendo). Pero bueno, dejando a un lado lo anterior les dejo el más reciente material de Brad Paisley, que según sé es un cantautor y guitarrista de country bien alegre y cotorreador, se codea con los grandes del género y a ganado gran respeto, en lo personal este album me gusto un buen y aunque ya lo he escuchado varias veces aún no puedo hacerme de una canción favorita o alguna para recomendar en especifico,mejor lo dejo a su criterio esperando que les agrade, a la brevedad ire subiendo más material de él, ENJOY!!!

If The Trees Could Talk

Above The Earth, Below The Sky

Año: 2009

Género: Post Rock

Similar a: Red Sparowes, Explosions in the Sky,Isis, Caspian, Gifts from Enola

Que alegría me da regresar a compartir un poco más de música en este glorioso espacio, por cuestiones de conexión a red y una chingo de trabajo tuve que tener un exilio casi obligado, pero e vuelto con los ánimos por las nubes, creo que una buena manera de enmendar mi ausencia es dejandoles a su disposición amable público este gran album. If The Trees Could Talk es una banda originario de Ohio allá en el gabacho, maneja atmósferas de sonido interesantes y de cierto modo cautivantes, este grupo lo conocí gracias al buen gERa, siendo él quien publicara su primer trabajo en Musiteka,volviendo a lo anterior, el grupo cuenta con cinco músicos, tres de ellos a las guitarras, un bajista y un batería, el sonido este grupo esta lleno de vaivenes, que van desde los emotivos paisajes que puedan crear Explosions In The Sky, hasta poderosos riffs de guitarra tal cual lo manejan grupos como Isis o Red Sparowes. Above The Earth, Below The Sky es su primer LP, tras la publicación en el 2006 de un grandioso EP debut llamado de igual forma que el grupo, creo que es algo que puedo decirles en referencia a esta agrupación, sin más que agragar los dejo con este buen album, espero les agrade, ENJOY!!!

Tchaikovsky by Julia Fisher

Violin Concerto in D, Op. 35

Tchaikovsky

(Piotr Ilich Tchaikovsky o Chaikovski; Votkinsk, Rusia, 1840 - San Petersburgo, 1893) Compositor ruso. A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco, el estilo de Tchaikovsky no puede encasillarse dentro de los márgenes del nacionalismo imperante entonces en su Rusia natal. Su música, de carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán–, aunque no carente de elementos rusos, es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora la personalidad del autor, compleja y atormentada. Alumno de composición de Anton Rubinstein en San Petersburgo, los primeros pasos de Tchaikovsky en el mundo de la música no revelaron un especial talento ni para la interpretación ni para la creación. Sus primeras obras, como el poema sinfónico Fatum o la Sinfonía núm. 1 «Sueños de invierno», mostraban una personalidad poco definida. Sólo tras la composición, ya en la década de 1870, de partituras como la Sinfonía núm. 2 «Pequeña Rusia» y, sobre todo, del célebre Concierto para piano y orquesta núm. 1, la música de Tchaikovsky empezó a adquirir un tono propio y característico, en ocasiones efectista y cada vez más dado a la melancolía.

Concierto para violín interpretado por la talentosa Julia Fisher, música que te transportara lejos de aquí, en lo personal a mí me sucede, escuchen con detenimiento Allegro Moderato de este album, pfffff que pieza tan hermosa, espero les agrade, ahora compartiré un poco más de música de este estilo, como lo mencione antes me ayuda a sobrellevar mi nueva vida profesional y a soportar los días mierderos que a veces se dan en la oficina en donde trabajo, lo amarán, ENJOY!!!

Alexander Borodin

Cuarteto para cuerdas 1 y 2

Aleksandr Porfírievich Borodín (Александр Порфирьевич Бородин) (San Petersburgo, 12 de noviembre de 1833 — San Petersburgo, 27 de febrero de 1887) fue un compositor y químico, destacado dentro de los compositores del nacionalismo ruso, también conocido como el Grupo de los cinco. Era hijo ilegítimo del príncipe georgiano Luka Gedevanishvili, quien lo registró como hijo de uno de sus sirvientes. Recibió una buena educación incluyendo clases de piano. Sin embargo, su área de especialización fue la química, por lo cual no recibió clases formales de composición hasta 1863, cuando se convirtió en discípulo de Mili Balákirev. En 1869 Balákirev dirigió su primera sinfonía y en ese mismo año Borodín comenzó la composición de su segunda sinfonía. Aunque el estreno ruso de esta última fue un fracaso, Franz Liszt logró que fuera interpretada en Alemania en 1880, donde tuvo bastante éxito, dándole fama fuera de Rusia. También en 1869 empezó a trabajar en la composición de su ópera Príncipe Igor, que es considerada por algunos su obra más importante. Esta ópera contiene las ampliamente conocidas Danzas Polovotsianas (o Danzas de los pólovtsy), siendo éste un fragmento comúnmente interpretado por sí mismo, tanto en su versión coral como orquestal. Debido a la gran carga de trabajo como químico, la ópera quedó inconclusa al momento de su muerte, siendo completada posteriormente por Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Glazunov. A pesar de ser un compositor reconocido, Borodín siempre se ganó la vida como químico, campo en el cual era bastante respetado, particularmente por su conocimiento de los aldehídos. A Borodín también se le atribuye el descubrimiento de la reacción aldólica junto con Charles-Adolphe Wurtz. Él se consideraba a sí mismo un "compositor dominguero", del mismo modo que no fue tan prolífico como otros compositores contemporáneos. Sus obras incluyen el poema sinfónico "En las estepas del Asia central", dos cuartetos de cuerdas, canciones y piezas para piano, así como las ya mencionadas sinfonías 1 y 2, más una tercera incompleta al momento de su muerte (con 2 movimientos completados por Glazunov). Borodín murió en San Petersburgo el 27 de febrero de 1887 y fue enterrado en el cementerio Tijvin del monasterio Alexander Nevsky.

Este cuarteto para cuerdas simplemente es sublime, una disculpa por el wikipediazo, me estoy adentrando en este maravilloso tipo de música, gracias al buen gERa por darme a conocer tan bella música, ENJOY!!!

Kitchens of Distinction

The Death of Cool

Año: 1992

Género: Shoegaze, Dream Pop

Suena a: Pale Saints, Adorable, Cocteau Twins, Moose

Love is Hell

Año: 1989

Género: Shoegaze, Dream Pop

Suena a: Pale Saints, Adorable, Cocteau Twins, Moose

Kitchens of Distinction (KOD) fue un trio de rock alternativo formado en Tooting, Sur de Londres, Inglaterra y que se mantuvo activo desde 1986 a 1996. Sus integrantes fueron Dan Goodwin en la batería, Julian Swales en la guitarra y Patrick Fitzgerald en el bajo y la voz. Siendo una banda que no logro un gran exito comercial, genero una serie de 4 albums inovadores dejando un fuerte legado, tan es asi que su fantasma puede escucharse en bandas como Editors o Interpol, por nombrar algunas. KOD ha sido una banda subestimada, mientras otras insulsas ganaban millones, KOD luchaba por mostrar toda su riqueza. Su carrera duró de 1986 a 1996 dejando 4 álbums: Love is hell de 1989, Strange Free world de 1991, Cowboys and Aliens de 1994. Su primer sencillo fue «The Last Gasp Death Shuffle» el cual fué grabado en un solo día con Swales en bajo, vocal y guitarras. Fué declarado como sencillo del año por la revista NME y enseguida fueron firmados por la compañía One Little Indian Records, para entonces Patrick Fitzgerald quien entonces era médico decidió dedicarse por completo a la música. Sus primeros sencillos para One Little Indian fueron Prize y The 3rd time we opened the capsule. En abril de 1989 salé su primer disco Love is Hell, considerado uno de los precursores del sonido estandarte del Shoegaze. ENJOY!!!

Cello Suites de Bach

Cello suites 1 - 2 - 3

Año: Periodo Barroco

Género:Música clásica

Suena a: No hay nadie como Bach y menos quien ejecute como Rostropovich

Bach

Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados). Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.

Rostropovich

Nació en Bakú, República Socialista Soviética de Azerbaiyán (actualmente Azerbaiyán) en una família de músicos. Estudió en el Conservatorio de Moscú, desde los dieciséis años. Y llegó a ser alumno de Dmitri Shostakovich y Serguéi Prokofiev, antes de graduarse con los máximas distinciones académicas. Posteriormente trabajaría como profesor en el mismo Conservatorio, desde 1961. En 1948 ya había sido solista de la Orquesta Filarmónica de Moscú. A partir de 1950 había actuado como violonchelista y como director. Había dado asimismo recitales de piano acompañando a su mujer, la cantante Galina Vishnévskaya. Tras un tiempo en Moscú, fue nombrado profesor en el Conservatorio de Leningrado. Había encargado o estrenado obras para violonchelo de los principales compositores contemporáneos, como la Sinfonía concertante en mi menor, opus 125 (1952) de Serguéi Prokófiev, los dos conciertos para violonchelo (1959, 1966) de Dmitri Shostakóvich y la Cello Symphony (1963), la Sonata para violonchelo y piano (1961) y las Suites para violonchelo (1964, 1967, 1971) de Benjamin Britten. En 1951 recibió el Premio Stalin y después el Premio Lenin, máximo galardón soviético, en 1963. Sin embargo defendió de forma pública al escritor Alexander Solzhenitsyn en una carta enviada al diario Pravda en 1970. En 1974 Rostropóvich y su esposa abandonaron la Unión Soviética al haber sido privado de la posibilidad de dar conciertos y trabajar y, en 1978, se les retiró la nacionalidad soviética. Emigraron a Estados Unidos y en 1977 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. que dirigió durante 17 años. En 1990 fue invitado a actuar con esta orquesta en la Unión Soviética por Mijaíl Gorbachov, ocasión en la que les fue devuelta la nacionalidad soviética a él y a Galina Vishnevskaya. No obstante mantuvo toda su vida los pasaportes de Mónaco y Suiza que eran con los que habitualmente viajaba.

Esta hermosa música me a acompañado en mis días mierderos de oficina, es una música sublime interpretada por el maravilloso Rostropovich, sé que les gustará, ENJOY!!!

Snatch

Snatch

Año: 2000
Género: Varios
Similar a: Varios

Hermoso soundtrack para una por demás chingona película, no quiero arruinar la sorpresa pero vean la película antes de descargar este album, y si ya la vieron pues a recordar, ENJOY!!!

A Place to Bury Strangers

Exploding Head

Año: 2009
Género: Rock, Noise Rock, Shoegaze
Similar a: My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain

Reseña en camino...

Diana Krall

Love Scenes

Año: 1997
Género: Jazz, Vocal Jazz
Similar a: Stacey Kent, Holly Cole, Cassandra Wilson

En un rato pongo la reseña